lunes, 21 de febrero de 2011

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA


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DIRECTOR                            Pedro Almodóvar
GUIÓN                                 Pedro Almodóvar
AÑO                                     2006
DURACIÓN                          110 min.
PAÍS                                     España


Raimunda es una madre joven, emprendedora y muy atractiva, con un marido en el paro y una hija en plena adolescencia. La economía familiar es muy precaria, por lo que Raimunda tiene varios trabajos. Es una mujer muy fuerte, una luchadora nata, pero a la vez muy frágil emocionalmente. Desde su infancia guarda en silencio un terrible secreto.
Su hermana Sole es un poco mayor. Apocada y miedosa, se gana la vida con una peluquería ilegal (no declarada). Su marido la abandonó, yéndose con una clienta. Desde entonces vive sola.


Raimunda adoraba a su tía, pero no puede ir al entierro porque momentos antes de recibir la llamada de su hermana, cuando volvía de uno de sus trabajos, ha encontrado a su marido muerto en la cocina, con un cuchillo clavado en el pecho. Su hija le confiesa que lo ha matado ella porque el padre, borracho, la acosó insistentemente.


Lo más importante para Raimunda es salvar a su hija. Todavía no sabe cómo, pero desde luego no puede acompañar a Sole al entierro de su tía en La Mancha.

A regañadientes, Sole se desplaza sola al pueblo. Entre las mujeres que la acompañan en el duelo escucha rumores de que su madre (que murió en un incendio con su padre) volvió del otro mundo para cuidar en los últimos años a su Tía Paula, que estaba enferma. Las vecinas hablan con naturalidad del “fantasma” de la madre.

 

Cuando Sole vuelve a Madrid, después de aparcar su coche, escucha unos ruidos procedentes del maletero. Una voz le pide que lo abra y la deje salir, que es su madre.

Sole, al principio, está aterrada. Los golpes en el maletero no dejan de sonar. Sole lo abre y allí encuentra, rodeada de bolsas, al fantasma de su madre. No se atreve ni a mirarla, pero cuando consigue vencer el miedo se da cuenta de que el fantasma es igual que su madre en vida, exceptuando el pelo que lo tiene casi blanco y despeinado y la piel más pálida.

“Volver” es una historia de supervivencia. Todos los personajes luchan por sobrevivir, incluso el fantasma de la abuela.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA


CHINATOWN
DIRECTOR                            Roman Polanski
GUIÓN                                 Robert Towne
GÉNERO                              Cine Negro
AÑO                                     1974
DURACIÓN                          131 min.
PAÍS                                     Estados Unidos

Un detective privado de Los Angeles, Jake Gittes (Jack Nicholson) recibe la visita en su oficina de una mujer que le encarga investigar la supuesta infidelidad de su marido. Poco a poco se verá envuelto en una compleja trama de intereses económicos, sobornos y oscuras maquinaciones que tienen como objeto el agua.

La relación que mantiene con esta mujer, Evelyn Cross Mulwray (Faye Dunaway) se complica al descubrir que esconde un oscuro pasado familiar de relaciones incestuosas con su padre, Noah Cross (John Huston), que está involucrado también en la especulación con el agua. El desenlace llevará a todos los personajes a las calles de Chinatown.


A pesar de elegir para este proyecto un género que había llegado a su época dorada durante los años cuarenta, Polanski tuvo la inteligencia de no abordarlo desde la fácil imitación a las obras maestras que todos recordamos, sino desde un planteamiento cinematográfico moderno;

«Yo no veía en Chinatown una obra "retro" o una imitación consciente de las películas clásicas en blanco y negro, sino una película sobre los años treinta, vistos a través del ojo de la cámara de los setenta».


Este es uno de los grandes aciertos de la película, que, gracias a este planteamiento, al empleo del color o la dirección tan personal de Polanski, se hace más cercana y realista, sin perder los caracteres propios del género negro.

La narración es muy medida, Polanski sólo nos cuenta lo necesario en cada momento, es muy preciso en su trabajo de irección. Con un empleo maestro del sonido en off (con el sonido continuo del agua por ejemplo), de la calculada información que recibe el espectador en cada secuencia y la precisión con que rueda Polanski, Chinatown nos atrapa sin demasiado esfuerzo.


Desde el principio intuimos que estamos ante historia mucho más compleja y ante unos personajes más oscuros de lo que nos muestran, descubrimiento que hacemos al mismo tiempo que el personaje de Nicholson quien nos lleva de la mano hasta el desenlace final.

Un desenlace magnífico aunque algo abrupto y desolador, en donde el personaje de Dunaway será el que pierda la vida, mientras el poderoso (John Huston) quedará sin castigo. Un final atípico e impactante que era exactamente lo que Polanski buscaba.


«Yo sabía -explica Polanski- que para que Chinatown fuese una película distinta y no un simple film de misterio en el que, al final siempre ganan los buenos, Evelyn tenía que morir».

Fue Polanski, que hace un cameo en la película, quien tuvo el "honor" de cortarle la nariz al personaje de Nicholson. Según cuenta el director la imagen fue censurada por las cadenas de televisión anglosajonas al considerarla demasiado violenta.

El ambiente de la época se recreó con una esmerada dirección artística de W. Stewart Campbell y con el trabajo de vestuario de Anthea Sylbert, quien ya había trabajado con Polanski en La semilla del diablo (Rosemary's Baby, 1968). También utilizando una estupenda fotografía de Joe Alonzo y una música adecuada, para la que se contó con Jerry Goldsmith quien compuso una muy inspirada banda sonora.


Un gran acierto fue la elección de los actores, Jack Nicholson y John Huston fueron la elección de Polanski desde el comienzo del proyecto. El papel de Evelyn Mulwray le fue ofrecido a Jane Fonda quien lo rechazó y que finalmente aceptó Faye Dunaway. Todos están magníficos y tanto Nicholson como Dunaway fueron nominados al Oscar.

Polanski recuperó con Chinatown el éxito de público y crítica unánime que no obtenía desde 1968 con La semilla del diablo. La película era un valor seguro tanto por el magnífico material con que contaba como por el talento y la solidez ya demostradas en su trabajo de dirección. Se ha convertido con toda justicia en un título imprescindible dentro del género.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

EL CARTERO SIEMPRE LLAMA DOS VECES

TÍTULO ORIGINAL            The Postman Always Rings Twice
AÑO                                  1981
DURACIÓN                       123 min.
PAÍS                                  Estados Unidos
DIRECTOR                         Bob Rafelson
GUIÓN                              David Mamet (Novela: James M. Cain)
GÉNERO                           Cine Negro
El guión es la adaptación cinematográfica de la famosa novela de 1934 del periodista y novelista norteamericano de origen irlandés James M. Cain, pionero del estilo de ficción o literatura negra, que se mueve cronológicamente entre los dos grandes del género, Dashiell Hammet y Raymond Chandler.

En esta versión, el guión corrió a cargo del reputado David Mamet, y contiene un final diferente al de la novela y al de la fiel versión cinematográfica de 1946 de Garnett. . Incluso se hizo también una ópera del tema con música Stephen Paulus en 1982.


Se han hecho 4 adaptaciones al cine. Las dos primeras fueron “Le dernier tournant” (Pierre Chaval, 1939) y “Ossessione” (Visconti, 1942). La tercera, de igual título a ésta, fue la versión de Tay Garnett, con Lana Turnes y John Garfield, y la cuarta y última es esta de 1981 que nos ocupa.

Cora y por supuesto su marido, se llama Papadakis, mientras que en la versión anterior el apellido era Smith.

La película es especialmente recordada por la escena de amor sobre la mesa de la cocina, tan intensa que muchos creen que Lange y Nicholson tuvieron sexo real. Sin embargo, este extremo ha sido negado por todas las personas involucradas en el rodaje de la película.



Es una escena tan subida de tono que la censura americana estuvo a punto de calificar la película con una letra “X”. Los productores de la cinta protestaron porque esa calificación sólo puede ponerse a películas que contengan escenas de sexo explícito.
 Sin embargo, el rumor que corría por la pradera hollywoodiense era el de que existían algunas cintas de video en las que se podía comprobar que la cosa había llegado a mucho más. En cuanto se estrenó la película surgió el rumor de que, rodando esta escena, el calentón ente ambos actores había sido tal que Jack convenció a Jessica para hacerlo de verdad.
El rumor es totalmente falso y fue desmentido hace algún tiempo por el director de la película, Bob Rafelson. Comentó que la escena tardó en filmarse tres días y que en todo momento hubo unas diez personas rodeando a la pareja. Lo que sí constata es que la temperatura subió más de la cuenta y lo que no sabe es lo que ocurrió fuera del rodaje. De todas formas, desde entonces, una mesa de cocina no ha vuelto a ser lo mismo

La promoción de la película se sirvió del slogan: «Si existiese un undécimo mandamiento, también lo hubieran incumplido».

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

LOS CHICOS NO LLORAN
DIRECCIÓN          Kimberly Peirce

PRODUCCIÓN      John Hart
                             Eva Kolodner
                             Jeff Sharp
                             Christine Vachon

GUION                 Kimberly Peirce
                             Andy Bienen

PAÍS                      Estados Unidos

AÑO                      1999

DURACIÓN           118 min

Una película de Kimberly Peirce que plantea una temática casi tabú en la historia del cine; el tema del travestismo y fallidas identidades sexuales.
Aquí se intenta plantear con relativa seriedad la difícil y compleja temática de la identidad sexual y los problemas que ello conlleva.

Es una película dura. Ya que desde el principio se empieza presentando la difícil vida de una chica que quiere ser un chico. Las circunstancias de su vida; una vida inestable, sin trabajo, sin apoyo familiar, agravan la situación.
En una juerga nocturna conoce a un grupo de amigos a los que les oculta su verdadera identidad de chica, y comienza propiamente la trama de la película cuando se enamora de una del grupo.

Los personajes de esta película son personas perdidas, sin rumbo, sin un claro referente en sus vidas, a excepción de la protagonista que, dejando de lado la imposibilidad de su deseo, sabe lo que quiere. El gran problemas de los personajes de esta película está en no asumir lo que se es, y es esa no aceptación la que les lleva a un camino sin retorno.


Es una película que habla de las malas amistades, del fracaso, de las ilusiones, de la soledad. Es un drama en sentido estricto que se basa en un hecho real. Lo más incomprensible de la película es la violencia gratuita que se sale hasta de la historia, como por ejemplo toda la del episodio final.

lunes, 17 de enero de 2011

CRITERIO DE LA PELICULA, 2 HOMBRES Y UN DESTINO

2 Hombres y un destino

Director: George Roy Hill
Año: 1969
País: Estados Unidos
Reparto: Robert Redford, Paul Newman, Katharine Ross, Strother Martin, Jeff Corey, Henry Jones.

Partiendo del guion, es cierta la libertad que se toma Goldman a la hora de retratar a los dos forajidos, pero no deja de ser cuestión del cine dar su visión de cada historia. De hecho empieza con un "casi todos los hechos que se mencionan son reales", y no con un "basado en un hecho real". El ritmo narrativo es perfecto, la película es un entretenimiento continuo, y el bajón de velocidad en momentos en mi opinión necesario. La fotografía impresiona también. Tanto el guión como el montaje dejan detalles para la historia.







http://www.youtube.com/watch?v=POC3n7aUwBY

Pecando de tópico tengo que destacar la interpretación de sus dos estrellas, no ya por el hecho de hacer ellos grandes papeles, sino porque como se ha dicho ya infinidad de veces, pero no puedes hacer una crítica de esta película y obviarlo, la complicidad que emanan se ha igualado en pocas ocasiones en la historia del cine. Y esta complicidad acentúa el carisma de ambos personajes, y ayuda a que se hayan convertido por derecho en una de las grandes parejas del cine. En efecto, sin poder sacarle defectos, la pobre Katharine Ross queda por completo eclipsada.
Mención especial a la banda sonora que adquirió una enorme y curiosa popularidad, curiosa por el hecho de que realmente no tiene un gran protagonismo en cuanto a minutos se refiere. Quizá la razón es que adquiera el protagonismo absoluto en los momentos en que suena.















http://www.youtube.com/watch?v=ck6vqsOt-Pc&feature=related


Lo más destacable ya no es solo el guión o la fotografía, o esa banda sonora inolvidable, la respuesta es bien sencilla: ROBERT REDFORD y PAUL NEWMAN.
Jamás dos estrellas han brillado con tanta fuerza en la pantalla, gracias quizás a la perfecta recreación que hacen ambos de sus personajes, la película no sería la obra maestra que es para mí si faltara cualquiera de los dos.

CRITERIO DE LA PELICULA PULP FICTION

PULP FICTION

Direcctor: Quentin Tarantino
Duración: 154 minutos
Año de estreno: 1994
Temática: Violencia
País: Estados Unidos


Pulp Fiction, una película maravillosa ya sea por su maginifico guion o por su dureza visual. Obra maestra del cine contemporáneo, un clásico y una película para inspirar
El reparto es excelente, pocas veces se consigue que en una misma película tantos buenos actores den lo mejor de sí mismos. La banda sonora es muy buena, la estructura narrativa es perfecta, y qué decir del guión, para mí es sin duda uno de los mejores de la historia del cine: grandes diálogos (sobre todo las discusiones de Vincent y Jules).



 









Hay películas que pueden gustarle a unos y a otros no, pero hay que reconocer cuando una película hace la diferencia, dejando una marca, un ícono que se mantendrá en el tiempo. Ese es a mi juicio el caso de Pulp Fiction. Una película marcada por muchos elementos que la hacen única: la consagración definitiva de Tarantino como uno de los directores más versátiles e innovadores de los últimos años, la resurrección de John Travolta, la idea de jugar con el tiempo e intercalar historias, diálogos que son considerados casi de culto, personajes distintos y con identidad propia, y una banda sonora espectacular. Definiría a Pulp Fiction como una película completa, entretenida, violenta, ágil; una película que será recordada a medida que pasen los años.




Una de las historias mejor contadas de los últimos años respecto a películas. Tres historias que juntas logran que el tiempo que pasas frente a la pantalla sea inolvidable. Los cambios de escena, ese dejo absurdo que Tarantino logra plasmar en cada una de sus películas y unos encuadres alucinantes y una música que te hace vibrar en cada escena.
Probablemente la mejor película de su época y por qué no, de la historia. Pulp Fiction es una cinta espectacular, la forma en cómo se van conectando las historias es infartarte. Todos los elementos presentes contribuyen a que sea considerada una imperdible para los amantes del 7mo arte. Drogas, sexo, violencia, todo mezclado cuidadosa y perfectamente, y nos dan como resultado esta violenta e inmoral película. Absolutamente genial.


CRITERIO DE LA PELICULA RABIA

RABIA

Director: Sebastián Cordero
Intérpretes: Martina García, Concha Velasco, Gustavo Sánchez Parra, Xabier Elorriaga, Iciar Bollaín, Alex Brendemühl
Fecha de estreno: 28-05-2010
País: España
Duración: 95 min.
Género: Drama

Es una coproducción entre España, México (Guillermo del Toro, Tequila Bang) y Colombia. Rodada en el País Vasco, mayoritariamente en el pueblo de Bidegoian bajo la dirección del ecuatoriano Sebastián Cordero (Quito, Ecuador, 23 de mayo de 1972) basada en la novela de idéntico título de Sergio Bizzio.


http://www.youtube.com/watch?v=KHyI6WZs6XE

La película Rabia es un retrato de la inmigración latinoamericana en España y de las acontecimientos de una familia española decadente.

Jose Maria y Rosa son inmigrantes sudamericanos, trabajan en España y desde hace pocas semanas son pareja, tras pasar una noche, ella como sirvienta de una familia decadente y él, como albañil en una obra.

El protagonista es muy celoso, está inquieto, agresivo y tiene problemas laborales y mata involuntariamente a su jefe, la policía lo busca y decide esconderse en la casa donde trabaja su novia, sin que nadie lo sepa. A partir de ahí, se establece una atmósfera muy interesante, entre la desesperación, destacando la fotografía de Enrique Chediak.






  
El tercer film de Sebastián Cordero tiene sus mejores bazas en la mitad del metraje, donde se maneja muy bien con el ambiente claustrofóbico, crea tensión.
Los personajes son demasiado planos, estereotipados y pierden la capacidad de sorpresa. Se hacen demasiado reiterativos los recursos: las llamadas de teléfono, la situación, la comparación entre ratones y humanos.