ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

RATAS, RATONES Y RATEROS

DIRIGIDA: Sebastián Cordero

ESCRITA: Sebastián Cordero

PAÍS: Ecuador

AÑO: 1999

Salvador es un adolescente que se ha vuelto experto en hurtos callejeros junto a unos compañeros, pero todo se ve trastocado por la llegada de su primo Ángel, un ex convicto en problemas.

Ratas, ratones, rateros muestra el mundo de los pequeños delincuentes en una ciudad ecuatoriana. Fiel reflejo sobre la pérdida de la inocencia, a través de la historia de un joven que pierde las pocas cosas que tenían sentido en su vida.

“La naturaleza ha hecho al hombre feliz y bueno –nos enseñaba Rousseau-, pero la sociedad lo deprava y lo hace miserable”.

En ese juego de violencia se suman varios personajes, dos primos, uno de la sierra, Salvador, que vive con su padre y abuela inválida en el Sur de Quito; viene a visitarlo su primo de la costa, Ángel, drogadicto y ladrón, que cometió un crimen en Guayaquil y está requerido por la ley.

Ángel pide colaboración a su prima de clase alta, Carolina. Quien a su vez le solicita la droga que le sería comprometido conseguir a ella. Es una historia desenfrenada que emboscará a todos en un espiral de violencia y muerte, donde siempre estará presente Ángel, el detonante de todo.

Es el punto de despegada final de Salvador, un viaje de descubrimiento pero sin retorno. El mundo de la droga hace que el deseo de un momento de placer que lo aleje de la realidad lo valga todo; y una vez que culmina ese placer se necesita más para no hacer tan insoportable la sola existencia de vivir, o sobrevivir.

La esencia de los ratones es esa, cuidarse entre sí y defecar, pero sólo un poco, a los demás. Las ratas amenazan a la ley, pero también saben sus debilidades, sus corrupciones; pero ellos están del lado de las ratas, y lo asumen resignadamente aunque sean capaces de todo, pero se saben ratas.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

LOS ABRAZOS ROTOS

DIRECCIÓN:                Pedro Almodóvar

PAÍS:                           España

AÑO:                           2009

En "Los abrazos rotos" se confrontan el Almodóvar un punto frívolo, cómico y desatado de la post Movida infiltrado en la ficción a colación de ese desmadradísimo remake dentro de la película de la legendaria "Mujeres al borde de un ataque de nervios" y éste otro a cuyo alumbramiento asistimos en estos últimos años, entre Oscar e incontables reconocimientos universales. Un cineasta eminente que conquista en la madurez el derecho para brindar cara a cara con los gigantes del séptimo arte.

Por un lado emerge la sombra gigantesca de Rossellini a dos niveles: conscientemente, a través de la intrusión en la trama de las desgarradoras imágenes del abrazo milenario entre los amantes rescatados bajo el muro volcánico que escondía las ruinas de Pompeya, uno de los momentos de mayor intensidad dramática de "Te querré siempre", e inconscientemente en la recreación siquiera anecdótica del paraíso de cráteres y cenizas volcánicas de "Stromboli", que emerge aquí en las dunas lunares de Lanzarote. Pero hay más, Los abrazos rotos escenifica una disociación en la personalidad artística de Almodóvar.

Al fin y al cabo no es sino la historia de un cineasta ciego que quiere seguir haciendo cine desde la oscuridad. Al fin y al cabo es cine que reflexiona sobre la propia naturaleza del cine, cine dentro del cine, un exorcismo de madurez en el que Almodóvar se disecciona a sí mismo en el laberinto de sus propias imágenes, en la encrucijada de sus propios anhelos como escultor de imágenes.

Rossellini sí, pero también brinda el manchego universal con Fellini (el de "8 y 1/2") o, por ejemplo, con Wenders (el de "El estado de las cosas"), entre otros incontables ensayistas lúcidos del cine dentro de sí mismo.

En ese sentido "Los abrazos rotos" es una de las películas más ambiciosas y personales de Almodóvar. Detrás de ese exuberante juego de formas que esconde veneración casi religiosa por el melodrama clásico, por el cine negro sin impurezas, por el gran misterio ético y estético del cine norteamericano, late un apasionante conflicto entre el cineasta del presente y aquel otro del pasado. Y es con la definición visual de ese conflicto que cuaja en el director de "Volver" una madurez orgullosa.

El Almodóvar de entonces no tiene cabida en el hoy. Las canas han pulido la superficie imperfecta y localista de su cine otorgándole una dimensión atemporal, de ahora y siempre. Ya no necesita volver sobre sus propios pasos o parasitar su propio pasado para coleccionar elogios.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

AMORES PERROS

PRODUCCIÓN:            Alejandro González Iñárritu; productores ejecutivos: Francisco González                                                              Compeán y Martha Sosa Elizondo

DIRECCIÓN:                Alejandro González Iñárritu

GUION:                       Guillermo Arriaga

DURACIÓN:                 147 min.

Amores perros se basa en tres historias anudadas accidentalmente el pulso bestial y fascinante de la Ciudad de México, ese laboratorio millonario en almas del cuarto mundo, esa perrera de hombres de todos los pelajes y las razas a los que no les queda otro remedio que defenderse a mordiscos.

Y lo hace sin censurar dureza y sangre, pero también sin transigir en ningún momento con el espectáculo gratuito del dolor, sin exhibir ni regodearse; con el aliento sobrecogedor del mejor documental poético, pero sin la obscena complacencia del show reality, tan importado y tan de moda en las televisiones latinoamericanas. Y es capaz de apuntar y luego apuntalar en un final memorable un sutil discurso ético que metonímicamente pone al descubierto la frágil razón cobarde de los que están detrás, de los que planifican y ordenan la violencia desde la pulcra impunidad de sus despachos.

Puede resultar tentador trazar ciertos lazos de parentesco formal entre este primer filme de González Iñárritu y la orgiástica revisión del thriller que practica Quentin Tarantino. Algunas escenas de Amores perros apuntan (intencionadamente o no) al brutal universo simbólico de películas como Reservoir Dogs o Pulp Fiction. Pero lo que en Tarantino es aséptica disección de un género y, a fin de cuentas, divertimento, aquí es exploración antropológica, sin miedo a sacar conclusiones y comprometer un juicio.

De los tres excelentes relatos independientes que enlaza la película, el del medio (el que protagoniza la española Goya Toledo) es quizá el que encaja con más dificultad y el que se desarrolla con justificaciones más forzadas en el complejo puzzle que plantea Amores perros, pero por encima de algún equilibrio narrativo el episodio se sostiene y acaba por revelar una aportación imprescindible al mensaje del conjunto: la miseria no es patrimonio de una clase social determinada.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

NOSFERATU

PRODUCCIÓN:            Michael Gruskoff

                                    Werner Herzog

DIRECCIÓN:                Werner Herzog

PAIS:                           Alemania

AÑO:                           1979

DURACIÓN:                 107 min.

El solitario Conde queda fascinado por un pequeño retrato de Lucy y acepta inmediatamente comprar la propiedad ofrecida por Harker en Wismar. Durante su visita en el castillo, Harker sufre una serie de encuentros oníricos con el Conde. Simultáneamente, Lucy se ve atormentada en Wismar por imágenes catastróficas y maléficas. Por otra parte, Renfield, es admitido a un sanatorio mental tras haber mordido a una vaca y desarrollar un misterioso tipo de psicosis.

Harker, horrorizado, descubre al Conde durmiendo en un féretro, confirmándose así las sospechas de que Drácula es en realidad, un vampiro. Esa misma noche, el Conde parte hacia Wismar llevando consigo un número de ataúdes llenos de la tierra maldita que necesita para realizar su vampírico descanso.

Harker se encuentra atrapado en el castillo e intenta escapar a través de una ventana con una cuerda. La cuerda está hecha de sábanas y resulta no ser lo suficientemente fuerte. Harker cae y sufre varias heridas. Se despierta en un hospital en un estado febril hablando sobre «ataúdes negros» por lo que los doctores asumen que su estado está afectando su salud mental.

Entre tanto, Drácula y sus féretros, viajan a Wismar en barco. Los tripulantes del barco van muriendo o desaparecen sistemáticamente a manos del vampiro. Sin embargo, la tripulación cree que las muertes son debidas a la aparición de la peste: nosferatu significa agente transmisor de enfermedades, el que trae la peste.

Cuando Harker regresa finalmente a Wismar, muestra síntomas de una enfermedad irremediable y parece no reconocer a su esposa Lucy. Ella tiene un encuentro con el solitario Conde. Éste, desesperado y condenado a la inmortalidad, demanda que Lucy le dé un poco del amor que ella siente gratuitamente por Harker. Para desesperación del Conde, Lucy se niega.

Una vez que Lucy descubre la verdadera razón por la que la muerte asola Wismar, intenta avisar a sus conciudadanos. Sin embargo, éstos le prestan poca atención. Así, Lucy decide destruir a Drácula ella sola. Para esto, Lucy atrae al vampiro a su dormitorio para que él beba su sangre. Esto le costará a Lucy su vida.

La belleza y pureza de Lucy distrae al conde, que no oye el canto del gallo, y muere con los primeros rayos del sol. Van Helsing descubre el victorioso cadáver de Lucy y remata al conde clavándole una estaca en el corazón. En un inquietante giro final, Harker resurge de su misteriosa enfermedad convertido en un vampiro y organiza el arresto de Van Helsing. Harker es visto por última vez a lomos de su caballo afirmando enigmáticamente que aun le queda mucho por hacer.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

MONSTER

DIRECCIÓN Y GUION:            Patty Jenkins

NACIONALIDAD:                    USA – Alemania

Las dos actrices principales, Charlize Theron y Christina Ricci hacen unas interpretaciones muy diferentes, pero ambas muy intensas. La primera interpreta a una mujer dura, con una mala vida y llena de odio por todo el mundo y por si misma; la segunda a una lesbiana algo reprimida por su familia, tímida e insegura. Sin embargo estos dos personajes tan diferentes conectan según se conocen, pues ambas encuentran aquello que buscan: comprensión, cariño y alguien que se preocupe por ellas por una vez.

Después de haber visto a la Theron en muchas películas luciendo figura, verla aquí con el maquillaje que la desfigura y en las escenas en que está un poco ligerita de ropa comprobar los kilos de más que tiene y ese pelo horrible, introduce a esta guapa actriz en ese grupo de actores que lo dan todo para caracterizar a un personaje.

Esto tiene un lado positivo y uno negativo. En la parte buena, es una caracterización impresionante y viendo al personaje real el parecido está muy conseguido. Claro que también parece excesivo. Si es tan importante el físico, sería más fácil escoger a una actriz que se pareciera más y no a una en las antípodas a la que hay que embadurnar de maquillaje y prótesis.

De cualquier forma, gracias a este jugoso personaje, a su caracterización, su interpretación y el dinero que la propia Theron ha puesto como productora de este film, la rubia sudafricana ha conseguido el primer Oscar de su carrera, por lo que dará como bien invertido el dinero y el tiempo que ha gastado.

El personaje real en el que está basada la película es Aileen Wuornos, la mayor asesina en serie de la historia de los Estados Unidos, condenada a muerte y ejecutada en Octubre del 2002.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA

EL VIAJE DE CHIHIRO

Director y guión: Hayao Miyazaki

Nacionalidad y año: Japón  

País: USA 2001

Duración: 125 min

Chihiro protesta, se queja como todo hijo consentido. La niña Chihiro no quiere mudarse, no quiere visitar su nuevo lugar. No acepta que nadie le robe su pequeño mundo perfecto. Chihiro no quiere crecer.

Con diez años todo tiende a verse diferente. Los padres: gigantes inalcanzables, con poderes de inconmensurable magnitud sobre la vida, principalmente la suya. La imaginación el instrumento natural de vivir el mundo real, de trasladar todo ese inmenso y rico mundo interior.

Cuando el viaje en el cómodo auto de la familia japonesa de buena posición se torna sin posibilidad de marcha atrás, la joven protagonista acepta su sino. Entonces perdidos en un bosque deciden continuar a pie, atravesar un profundo túnel al que Chihiro se niega. Dentro, la oscuridad, el silencio, la ansiedad.

La travesía comienza cuando ingresa en la bruma, en lo más profundo de los sueños. La búsqueda de la luz ha dado inicio. Al otro lado, el páramo se torna extraño y el primer in suceso signa la ruta. Un enorme banquete sorprende a los padres en su gula, dejando como resultado la instantánea transformación de éstos en cerdos. Definitivamente algo raro está sucediendo.

 

El viaje iniciático- Chihiro deberá ingresar al extraño espacio, comprender las reglas y aceptarlas. En ello le va la vida y la de sus padres, y el recuperar su verdadero nombre del poder de la hechicera Yubaba que se lo ha robado.

En este mundo Chihiro no existe, en su lugar está Sen. Quien enfrenta los riesgos es la madura Sen, no la niña Chihiro. No la egoísta desgarbada, sino la que es capaz de dar su vida por el amor a su amigo Haku. Sin embargo en Sen está el espíritu para volver a convertirse en Chihiro. Comprende su esencia a los tumbos, cuando ya no tiene a los padres que la apañen, cuando no puede escapar porque donde antes había un sendero ahora hay solamente agua.

Al final, pronta para su destino, toma un tren que no tiene retorno. No teme el no regresar, sabe que lo único importante es ir. Ya encontrará la forma de volver.



El realismo también está dado en la creación de los personajes y su abordaje interior. No hay procesos maniqueos, ni siquiera Yubaba es tan mala, ni su hermana gemela tan buena (por cierto, nunca están juntas en la pantalla, es de orden suponer que se trata del mismo ser. Aquello de todo lo bueno tiene las necesarias cargas de algo negativo y viceversa).

Una película para ser vista en más de una oportunidad. Debe saberse, que esta no es una cinta para niños, deberían saberlo quienes son los responsables de los horarios de las funciones. Todos imposibles para adultos, salvo los fines de semana. En consecuencia, en unos pocos días, ante la ausencia de público en las salas, la joya japonesa bajará de cartel.

Los niños la ven y preguntan cargados de dudas. Los padres aún en shock por las imponentes imágenes no atinan más que a excusarse con un "después te explico". Para cuando lo hagan, los pequeños tendrán ya edad de aprehender por si mismos los mensajes de esta verdadera obra de arte.

ANÁLISIS DE LA PELICULA

EL EXORCISTA

Director: William Friedkin

Año: 1973

País: Estados Unidos

La película esta basada en un caso supuestamente real ocurrido en EU en el año 1949, y los sucesos afectaron la vida de un adolescente de 14 años, uno de los factores que mas impresionaron al público fue que no se utilizaron castillos, vampiros o extraterrestres, sino que los espantosos incidentes presentados en esta película se manifestaban en pleno siglo XX a gente común y corriente, en una casa completamente normal. Lo que acontece es intimidante por que abre la posibilidad de que tu hogar, que se supone es el refugio contra el mundo exterior y donde convives con tu familia, se puede convertir en un nido de maldad diabólica que puede atacar a tus seres queridos.

                                                 

En el año 2000 se reestrenó una versión donde se incluyeron escenas adicionales que quedaron fuera de la versión original. Respecto a estas perturbantes escenas, señalaremos que desde 1963 ya eran utilizadas en el cine gore, caracterizado por mostrar excesos de sangre y violencia, pero debido a la propia naturaleza independiente de este tipo de películas, su distribución era muy limitada y solo llegaban a un escaso auditorio.

 A pesar de que el exorcista fue una cinta de fuerte contenido para su tiempo y causó repulsión, el público hacía largas filas en las salas cinematográficas para presenciar lo que acontecía en esta película maldita, que a final de cuentas se convirtió en un fenómeno social. En México causó tal impacto, que según algunas personas que les tocó vivir ese tiempo, se prohibía la entrada al cine de mujeres embarazadas y menores de 21 años, afuera de algunas salas había ambulancias para atender a los desmayados, y durante la proyección algunos espectadores de plano cerraban los ojos para no presenciar las abominaciones y blasfemias mostradas en la pantalla. El triunfo del exorcista originó innumerables imitaciones y dos secuelas; la segunda parte fue decepcionante, y la tercera recuperó el ambiente siniestro de la original. A pesar de que han pasado 30 años, la película sigue vigente gracias a su buena manufactura. Al momento de verla logra un fuerte impacto, provocando que el espectador reflexione y cuestione las implicaciones de la existencia del bien y el mal, las formas en las que pueden manifestarse ambas fuerzas, y el triunfo del bien como el mejor resultado para todos nosotros.